南國早報記者 覃江宜
從1993年的《超級馬里奧兄弟》，到2022年正在熱映的《神秘海域》，三十年間越來越多的游戲人物邁向大銀幕。作為這個時代的“第九藝術”，電子游戲逐漸像上世紀末的漫畫一樣，成為了電影取之不竭的靈感來源。
然而，這個跨界歷程向來“一半是海水，一半是火焰”，因為游戲迷幾乎是最難討好的一個群體——在他們熟悉的虛擬世界，自己才是那個上天入地無所不能的主角。而在觀看電影的過程中，他們只是一個被動的旁觀者。熟悉的觀感一旦被破壞，落差隨之產生，于是“愛的越真，怨念越深”。
其實，電影和游戲都是“造夢”的藝術，幫助受眾短暫抽離于當下的庸常生活。不管誰借鑒了誰，誰改編了誰，真正重要的是：能否用一種別出心裁的方式，帶來一段色彩斑斕的冒險，給人們帶來靈魂出竅的感動。
A 上映的游戲那么多，成功的沒有幾個
游戲改編電影“十個改編九個爛”？是的，從1993年熱門游戲《超級瑪麗》被改編成《超級馬里奧兄弟》開始，游戲就成為了電影世界里最被期待也最被嫌棄的主題。
把游戲主角請上大屏幕，創意一開始還能讓觀眾耳目一新。1993年香港電影《超級學校霸王》請來了劉德華、張學友、郭富城、鄭伊健等明星壓陣，時至今日在豆瓣仍有7.5的高分；1994年環球影業發行的《街頭霸王》成本3500萬美元，全球票房9942萬美元；1995年獅門影業發行的《真人快打》成本2000萬美元，全球票房1.2億美元。游戲人物變身電影主角，用各自的絕招，解現實的困局。憑借游戲迷的“情懷殺”，飲“頭啖湯”的片商們賺得盆滿缽滿。
口碑是什么時候急轉直下的？一個成功案例的背后，是無數跟風的平庸之作，《格斗之王》《生死格斗》《鐵拳》《毀滅戰士》……當街機廳走出來的“格斗家”扎堆亮相大屏幕，觀眾很快審美疲勞了，因為他們發現熟悉的主角除了不停歇打斗，就是無休止惡搞，一個個口號大義凜然，情節卻如同低幼的兒戲——想象一下，若《三國演義》“赤壁大戰”的名場面剔除“舌戰群儒”“蔣干盜書”等一干文戲，變成“周瑜無腦單挑曹操”的無聊戲碼——如此，電影便淪為了一場糟糕的cosplay(角色扮演），普通觀眾看得云里霧里，鐵桿玩家則恨不得要手撕導演。
繼“格斗家”之后，一個個“探險家”“賽車手”“特工”乃至“萌寵”，接連登陸影視圈，多數逃不脫“撲街”的命運，導演們也就越來越不愿意打一場真刀真槍的攻堅戰。
2016年上映的《魔獸》是一座高山，作為目前游戲改編電影的全球票房冠軍，它與《魔戒》影視化的成功有異曲同工之妙：《魔獸爭霸》本就是游戲界的頂流，“艾澤拉斯”照亮了觀眾的青春回憶，電影用大片質感還原了原著中恢宏的世界觀架構，有可信的人物，扎實的故事，許多人也就愿意為情懷買單。
了解這些背景，就知道為什么剛剛上映的電影版《神秘海域》從項目籌備到正式上映相隔了10年，其間6次更換導演，生生把湯姆·赫蘭德從少年配角熬成了成年主演。有太多“翻車”的先例，觀眾不再那么容易被糊弄，這買賣不再像當年那么“一本萬利”。
B 討好游戲迷，不是一件簡單的事
片商們對熱門游戲的偏愛不難理解，大IP知名度在前，電影可以做到未映先火，廣泛吸引玩家和路人觀影，這是票房的保證。但這同樣是口碑的陷阱，因為游戲迷幾乎是最難討好的一類觀眾，尤其是愛得深沉的鐵桿玩家，往往容不得半點偏題和戲說。
游戲迷曾經是知足常樂的，早期的電子游戲畫面簡單，主角只會打打殺殺，背景故事多是字幕一筆帶過，仿佛一張白紙可以任意涂鴉。電影寥寥幾筆勾勒，就能為原有的故事錦上添花，讓虛擬人物弧光飽滿。所以，香港導演王晶用了不到半個月就拍出了《超級學校霸王》，只是故事情節粗制濫造，充斥著大量戲謔橋段。例如，僅僅因為“四大天王”中的黎明拒絕出演，王晶就強行塞入了一個叫“黎明”的丑角，把“黎天王”黑得體無完膚。
這部香港無厘頭電影的代表之作，在《街頭霸王》的框架里一口氣塞進了《終結者》《機器貓》《七龍珠》《超級瑪麗》等近10個熱門游戲……一鍋亂燉的大雜燴卻看得當時的游戲迷心花怒放。在豆瓣前置的評論里，有網友感慨說：“當年光是看到這些明星，感覺就值回票價了。”
類似的作品如果在今天上映，毫無疑問會被歸于爛片的行列。明星（或者說知名游戲）的曝光無孔不入，粉絲們不再需要用電影來親近偶像。而電子游戲的世界觀越來越宏大，游戲迷們已經擁有一個天馬行空的世界了，怎么會滿足于簡單的戲仿與致敬？電影拍得過于忠實原著會被嫌棄“毫無新意”，改動過大則被視為“胡編亂造”。
近年來的游戲改編電影還是有過幾對“天作之合”的：安吉麗娜·朱莉的“勞拉”（《古墓麗影》），杰克·吉倫哈爾的“波斯王子”（《時之沙》），米拉·喬沃維奇的愛麗斯（《生化危機》）。他們贏得觀眾的秘訣，首先在于契合游戲的外型與氣質，看這群自帶流量、演技過硬的大明星再現各種經典場面，同時又開辟了新的故事線。有情懷濾鏡的玩家，沒思想包袱的觀眾，才能在電影院里皆大歡喜。
C 電影已經“老”了，而游戲正年輕
從粗糙的像素方塊，到鮮活的虛擬世界，不斷進化的電子游戲，已經在多個維度悄悄完成了對于電影的追趕（乃至超越）。從某種程度上看，游戲能夠提供比電影更深入的沉浸感，主角所感受到的一切，包括內心深處的每一個想法，所有的情緒起伏，都會直接傳遞給屏幕前的玩家，以層層暈染的方式，形成一場情感共振。
近年來的《最后生還者》《行尸走肉》《這是我的戰爭》《巫師3》等游戲大作，都在講述一種令人動容的故事，并提供直擊人心的互動體驗——
《這是我的戰爭》里，在末日里為了獲得生存資源的主角們，往往要面臨殘酷的兩難抉擇：如果為了救助親人，必須傷害他人的利益呢？如果要抵達目標，必須踐踏同伴的身體呢？這是日常生活中極少會遇到的人性拷問。
《成為人類》展示的未來社會，三個仿生人分別懷揣著“保護愛人”“族群權利”和“自我認同”的目標上路，在命運的糾葛中身不由己，每一次為他們作出選擇，就指向不同的方向和結局。在這里，玩家同時擔當了“導演”和“主角”。
前后歷經七年的電子游戲《行尸走肉》中，開場時“克萊蒙婷”只是個隨波逐流的懵懂少女，在劇變過后的世界中艱難求生，可極端情境就像巨浪一樣不斷來襲：最后一塊面包，是要留給自己，還是留給奄奄一息的路人？兩個一路相隨的同伴必須舍棄一個，應該犧牲誰？在一起經歷了各種考驗后，你無法再將NPC看成一個虛擬人物，不是可以輕易舍棄的“沉沒成本”，“他們”就像是有血有肉的、活生生的人。
沉浸這些游戲的時候，全世界無數玩家都有過柔腸百轉、長吁短嘆的糾結時刻，仿佛在經歷真正的人生關口。這種強調“陪伴”和“養成”的參與感，使得行至百年的電影概念顯得老氣橫秋。而承載更多互動技術的電子游戲，可能才剛剛進入青年時代。
D 真正講好一個故事，比什么都重要
在“元宇宙”呼嘯而來的當下，電影和游戲始終在技術與敘事上不斷相互學習，電影改編游戲，游戲也在學習電影，比如，《古墓麗影》系列從游戲變成電影，《瘋狂的麥克斯》卻從大銀幕走進顯示器。許多年前，電影《羅拉快跑》就在敘事結構上借鑒了游戲的“讀檔”功能。后來，很多游戲也借鑒著電影鏡頭營造“大片感”（如《黑客帝國》的“子彈時間”），設計出令玩家贊嘆的酷炫場面。
從民間傳說到書籍、再到漫畫和游戲，電影作為一個兼容并蓄的文化載體，必須要對日新月異的電子游戲另眼相待。
蹭蹭熱度就能火？不可能。你看，電影《寂靜嶺》之所以能拿下IMDB最高評分（游戲改編電影類），在于導演克里斯多夫·甘斯、編劇羅杰·艾福瑞都是《寂靜嶺》的忠實玩家。與那種只想收割熱度的主創團隊不同，他們太懂這個游戲何以動人，故事里宗教隱喻與人文內涵要如何解構。因此，粉絲們看到了“神還原”的場景與人物，打開了新的想象空間，而不僅僅是重溫了一遍耳熟能詳的故事；觀眾進入了一個二元交替的異度空間，電影版《寂靜嶺》完成了創意“出圈”，那股積聚不散的濃霧里，繼續回蕩著道德拷問的鼓聲。
不同的時期，故事有不同的講述方式，它們不是非此即彼的對立關系，而是交融與共生。正如大衛·芬奇所說，“說到底，真正重要的是具備想象力的好故事，無論其以什么形式呈現”。所以，電影和游戲還將攜手上路，而對于我們來說，值得關心的問題只有一個：怎樣才能把一個好故事說得蕩氣回腸？
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